艺术家的故事（收藏十篇）

♥️ 艺术家的故事

倪水泉和石雕的50多年情缘，全出于“热爱”这两个字，倪水泉说自己从16岁初中毕业后，就没有离开过石头。

倪水泉打小就生活在齐贤羊山脚下，小时候家里经济条件不好，羊山天然的石头就成了他的玩具。那时候，他经常看到采石工们开采下一块块粗陋的石材，在石匠师傅们的精心雕磨下，变成了石碑、石狮子、石牌坊等各种精细石头雕件。

倪水泉打心里想要学成这门石匠技术。初中毕业后，他拜师学艺，在实践中摸熟了石头的脾性，不久就成了当地一名小有名气的石匠师傅。那时候，除了石匠活，从小喜欢艺术、能画会写的倪水泉还附带给王星记扇厂绘制扇面，题材多为山水、花鸟、人物、虫鱼，由此打下了深厚的绘画功底。渐渐地，倪水泉对石雕造型艺术产生了浓厚兴趣。“我常常会捡一些毛石到家里，然后用凿子依着实物或依着图像造型。”

与当时一些目不识丁的老石匠比，他进步很快，雕的石狮子等雕件格外受人喜爱。“石雕一般都是从雕石狮开始，我雕的狮子就跟别人的不一样，刚柔相济，威猛灵动，有动态美。”倪水泉的名声越来越响，常常有从全国各地慕名而来的人，江苏华西村村口、香港渣打银行门口、宁波天一阁门口的石狮，不少都出自倪水泉之手。

石雕是门精细活，有时两三分钟就要用坏一个钻头

周四上午，记者来到位于绍兴县齐贤镇群贤村的倪水泉家，甫进大门，便看到靠左的墙边搭着一个约两米长、半米长的台子，上面堆满了要打磨的石头以及稿纸、工具。这是倪水泉平常的工作台。

这几天，倪水泉在雕刻的作品是“孙悟空大闹天宫”，二郎神与孙悟空打斗的轮廓已经初显。“石雕要用不同的工具打磨，像抛光轮、钻头之类的，有的难雕一点的两三分钟要用坏一个钻头。”倪水泉说，这些年，自己用坏的'工具不知道有多少了。“比如要雕出几毫米的小孔，力道就要拿捏好，力气小了钻头穿不过去，力道过大了就穿坏了。”

从普通的石匠，到凿石狮，然后是雕刻罗汉、观音像，难度越来越大，倪水泉却越雕越起劲了。

绍兴石雕属精微石雕，以人物见长。石雕人物要求较高，想要栩栩如生，除了美术基本功外，还要有许多雕功。羊山石、会稽石到诸暨石，再到新昌石、青田石，倪水泉一块一块地试过来。从绘图，到脱稿；从大锤到刻刀，每一把都用到，才有了他家里那些精美无比、充满神韵的石雕作品。

修复羊山大佛，引来央视专题报道

这个质朴的农民数十年沉迷于石雕手艺，在坚硬质朴的石头上不断创造新花样。

倪水泉的石雕技术，吸收了玉雕中的圆雕、透雕工艺，并得出了“群体综合性”的新雕法。“群体人物雕是石雕中的空白，其他地方还没有这种雕法的石雕作品。”倪水泉说，他用自己磨制的特用磨头和雕刻刀具，发挥他擅长雕群体人物像的特长，雕成了一件件群像石雕作品，人物形态各异，栩栩如生。

一块重关羽、张飞、赵云骑着马，雄姿英发，诸葛亮手摇羽扇，稳如泰山……倪水泉拿起钻头，就忘了时间，一沉下去，往往就是几个月的时间。

在绍兴，他最为人所知的功绩应该是修复羊山大佛，经过他几个月的修旧如旧，不仅让千年古佛重现光彩，而且还较好地体现了文物的价值。也正是因为他在羊山大佛和摩崖石刻修复上表现出的高超技艺，今年7月2日，央视四套《走遍中国》栏目组还特地找到他作了采访，并请他讲述了绍兴羊山石文化的传承和发展。

而再过一个多月，这位草根的石雕艺术家还将把自己的鲁镇石牌坊微缩版、越中名人以及勾践“励精图治、发奋图强”等三件作品送到即将举行的杭州西博会上展出。

目前，倪水泉不仅是绍兴市十佳民间艺人非物质文化遗产传承人，还是我省首批优秀民间艺术人才、中国民间文艺家协会雕刻艺术委员会委员。他从一名普通的石匠成为一名石雕艺术家。

50年前，倪水泉第一次接触石雕的时候，恐怕怎么也不会想到，自己的作品日后会遍布江南，在年过六旬后还成为了一名石雕艺术家，就连中央电视台也慕名而来，这或许就是“苦心孤诣水到渠成”。

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叶圣陶的语言是简练而感人的，他以用恰当的词语表述自己的能力而出名。叶圣陶在他的报道中强调感觉与情感。人物在叶圣陶的笔下鲜明活泼，他深深地洞察到人物的内心世界。知名作家赵景深盛赞叶圣陶是写作界的异数，拥有着杰出且惊人的才能。他的优美文章持久而韵美的留存于世。他表达的情感和感觉构筑了真相与现实的基础，也使他的文章充满无穷的力量。“情感如同忽明忽暗的灯火，但是记述却因为这灯火而引人注目。”叶圣陶说。这段谈话一定程度上体现了叶圣陶不仅是一位善于讲述故事的人，他更是一位艺术家。叶圣陶的现实主义写作形式成为许多作家效仿的对象。他承认阅读一些西方小说家的作品，对他的写作助益良多，“如果我没有阅读英文，如果我没有接触英文读物，我就不会写作小说.。”他的作品是反思与思辨的。这些不仅依靠感知，而且依靠切实而客观的观察。叶圣陶不仅是一位作家，而且是一名新闻记者。对现实的观察成为了他写作的源泉，为中国现代文学开创了一片新天地。

他这一生大多数作品都是为孩子创作的，如《稻草人》《旅行家》《小白船》《古代英雄的石像》《一粒种子》《皇帝的新衣》《玫瑰和金鱼》《月亮姑娘的亲事》《含羞草》《快乐的人》《芳儿的梦》等等。

今天，我有幸得到了采访这位艺术家的机会。

他的作品非常贴近生活且易懂，于是我问道：“您为什么喜欢写关于生活，关于社会的文章？”

叶圣陶告诉我：“在记忆中，我似乎从来没有撰述过自己有些模糊或者不甚清楚的知识。换句话说，我不能写那些只是通过想象得来的东西，但我也没有失掉想象力。我生活在城市里，乡镇和农村，我写在那些地方观察到的事物。作为一名老师，我了解一些教育圈的生活，我也记录下来。在一些相当基础和浅显的层面，我关注着中国革命逐渐的发展，同时，我也记录下这些事情。

“我认为文章是为读者而作的，同时我把文章看作是读者与作者交流的工具。作家们面临的一个巨大问题是他们不是拥有优秀写作技巧的素养。他们的表达是不准确且意义模糊的。只有受过良好教育的人才能够欣赏他们的文章。作者不注意实用的重要性。因此，文学作品难于被普通大众接受。我认为一个人只有把文章写得实际且易于理解，我才能够去只写一些风雅作品。如果读者不理解文章内容，文章就毫无用处。”

“那么，你写作的灵感又来自于哪儿呢？”我忍不住好奇地问。

“我写的作品通常都反映了社会现象，许多知识分子都是被剥削者，是没有反抗能力的社会底层的人。我写的这些文章聚焦于社会底层人民的痛苦生活。”

如今的社会，叶圣陶先生已经离开这个世界27年了，但他的信念，他的作品却还在一直流传，现在是，将来也会是。

叶圣陶发现新中国的很多人是自私、冷淡、伪善和保守的。人们为了安稳的生活放弃了自己的人生价值。叶圣陶在作品中讽刺了这些人。他表达了自己的不满，希望唤醒人们的知觉并正视这些社会顽疾。叶圣陶不仅写故事，而且报道社会的谬误。他的作品不是用来消遣，而是用认知和对现实的思考来连填充人们的余暇。“……写作的基础是一双有洞察力和善于观察的眼睛，而我的眼睛却不怎么拥有洞察力……当然，没有必要以写作为目的训练而一个人的眼睛，对于眼睛的训练，是为了洞察现实，丰富生活。”

♥️ 艺术家的故事

引导学生体验水墨画的韵味和审美情趣，从中感受中国传统文化的魅力，认识美术的文化性与历史继承性。

教学重点：指导学生掌握材料和水分的关系， 调动学生主动性，放开手脚，大胆创意，表达自己的感受。

教学难点：引导学生对水墨画的韵味的理解和感受，并表现在自己的画上。

范画数张，生宣纸数张，毛笔，笔洗，画毯，中国画颜料等。

1．学生体验：

(1)拿出生宣纸和毛笔，让学生谈一谈，宣纸和图画纸有什么不同？教师总结：宣纸和毛笔以及墨是中国画的工具。这也是中国画不同于其它画种的主要特征。

(2)让学生动手用墨和水在宣纸和图画纸上随意涂画，然后看看有什么不同？

(3)教师展示范画并提出问题：这些画是用什么材料画的?有什么特点?学生分组讨论，教师总结：这些作品是利用水和墨在宣纸上的冲化、融渗产生的浓淡变化，通过墨与彩的泼洒、点染、堆积形成墨、色、水相互辉映的效果。这种效果妙在似与不似之间，令人回味无穷，这就是水墨画的韵味。

学生讨论，教师总结：水墨画，顾名思义，就是用中国传统的绘画工具，按照中国人的审美习惯而画出来的画。中国的国画有着悠久的历史和优良的传统，在世界美术领域中自成体系，独树一帜。它是我国传统文化的重要组成部分，是中华民族的宝贵财富。所以我们要继承传统文化，使它不断发展。

（2）你理解水墨画的韵味吗？

出示作品，学生讨论发言，教师总结：这种墨与色相互交融形成的神奇效果，令我们回味无穷，遐想翩翩。其特点在于似与不似之间，水、墨、色交融变化，颇耐人寻味，这就是中国画特有的审美标准之一“韵味”，有“韵”才美，无“韵”是不美的。

（3）你知道这种韵味是怎样形成的吗？

教师示范：浓破淡、淡破浓、色破墨、墨破色，用墨和彩点染，堆积、泼洒能形成相互辉映的效果。学生有了动手的欲望，急于想体验一下。教师因势利导。

3．学生实践：

教师布置作业，自己动手创作一到两幅水墨作品，用笔要大胆，注意墨与彩的浓淡，以及水分干湿的把握。学生作画，教师巡视，及时指导遇到的情况。

4．作品评价：

提出评价标准：用笔大胆，水、墨、色相互辉映，墨与彩的浓淡以及水分的把握要恰到好处。画面要体现出变化莫测的韵味。

5．小结：这节课通过同学们的动手创作，使大家对水墨画的韵味有了很深的了解和体验，

好多同学的作品都不错，希望大家课后去练习，尝试用不同的方法去表现，看看效果怎样？

本课的设计，强调学生的实践性和趣味性，充分调动学生积极性，使学生亲身体验水墨画的独特韵味，充分发挥各自的想象，做到因势利导、人尽其才。对水墨画的体验，使学生体会到中国文化的独特魅力，从而起到培养学生的爱国热情。

引导学生体验水墨画的韵味和审美情趣，从中感受中国传统文化的魅力，认识美术的文化性与历史继承性。

教学重点：指导学生掌握材料和水分的关系， 调动学生主动性，放开手脚，大胆创意，表达自己的感受。

教学难点：引导学生对水墨画的韵味的理解和感受，并表现在自己的画上。

范画数张，生宣纸数张，毛笔，笔洗，画毯，中国画颜料等。

1．让学生谈谈对国画的'认识，教师总结：  国画就是中国人用自己制造的工具材料，按照中国人的审美习惯创造出来的画。国画有几千年的历史 ，每一时代的画家都以自己的创造，使传统中国画技法更加丰富多彩。水墨画就是在传统技法上不断的创新，水墨画反映出来的审美情趣，既有历史的、民族的特点，又有时代的、创造的新意。富有韵味，是中国画特有的美感。

二．技法探究：

1．学生做水墨游戏：（1）让学生动手用笔着淡墨在宣纸上随意涂一笔，后用浓墨点在其上。 (2)让学生动手先用干浓墨在宣纸上随意涂一笔，后用淡墨点在其上。(3)先用墨在宣纸上随意涂一笔后用色在其上点几笔。（4）先用色在宣纸上涂一笔，后用墨点几笔。

学生做完后，互相观赏评论。教师总结：刚才大家做的几种笔墨游戏，就是水墨画的几种表现方法：浓破淡、淡破浓、色破墨、墨破色。利用水和墨在宣纸上的冲化、融渗产生的浓淡变化，通过墨与彩的泼洒、点染、堆积形成墨、色、水相互辉映的效果。这种效果妙在似与不似之间，令人回味无穷，这就是水墨画的韵味。这也是水墨画不同于其它画种的独特之处。

2．用多媒体出示范画，学生欣赏，师生共讨作品中的韵味：这种墨与色相互交融形成的神奇效果，令我们回味无穷，遐想翩翩。其特点在于似与不似之间，水、墨、色交融变化，颇耐人寻味，这就是中国画特有的审美标准之一“韵味”，有“韵”才美，无“韵”是不美的。

教师布置作业，用几种水墨画的表现方法，自己动手创作一到两幅水墨作品，表现内容不限，用笔要大胆，注意墨与彩的浓淡，以及水分干湿的把握。学生作画，教师巡视，及时指导遇到的情况。

4．作品评价：

提出评价标准：用笔大胆，水、墨、色相互辉映，墨与彩的浓淡以及水分的把握要恰到好处。画面要体现出变化莫测的韵味。

5．小结：这节课使大家对水墨画的韵味有了很深的了解和体验，好多同学的作品都不错，希望大家课后去练习，尝试用不同的方法去表现，使画面富有新意。

本课的设计，通过游戏的方式使学生在玩的过程中体验水墨画的几种表现方法，强调学生的实践性和趣味性，充分调动学生积极性，使学生亲身体验水墨画的独特韵味，充分发挥各自的想象，做到因势利导、人尽其才。对水墨画的体验，使学生体会到中国文化的独特魅力，从而起到培养学生的爱国热情。

三、媒体素材目录

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“请你再看一看实物，检查一下线条对不对，往哪里移。”我盯着桌子上的静物，左看右看，琢磨再三，心想：我都改了三遍了，怎么还不对呢？真是郁闷。我就不耐烦地说：“我看到的就是这样的啊！”总是穿着花格子裙子的老师说：“想一想我刚给你讲的知识点，再仔细观察一下。自己画出来的下次才不会错。”

我继续端详静物，说：“还是不会。”老师就坐下来亲自为我示范了。原来是几个微小的结构问题。我心想：这一点细微的差别应该没关系吧？老师似乎看出了我的想法，和颜悦色地说：“打形一定要准确，这是素描的基本要求，加油，你可以画得更好的！”“这已经是我改的第四遍了，我会努力的！”

这位严厉的素描老师就是我的表姐。她有大大的欧式双眼皮，眼睛像一个大核桃，圆瞪瞪的'大黑眼珠，很像漫画里的人物，眼睛比我的眼睛还大呢！高挺的鼻梁就像石膏人像一样，面容白皙洁净，所以总有人说她是混血儿。她纤细的身材，总爱穿百褶裙。

我的艺术家姐姐最让我佩服的是全心全意热爱她的美术专业，高二的时候，每天只睡五六个小时，除了吃饭，就是画画，不断努力，终于考上了中国美院自己喜欢的专业；大学别人都在玩的时候，她也在画画，所以老师们总是说她很有天分，她总是谦虚地回答：“不不不，我还差得很远呢！”

工作以后，她更是对自己严格要求，经常范画要画很多张，备课要修改十几遍，像是一个孜孜不倦的采蜜女王，每节课都追求尽善尽美，讲课有声有色，孩子们都喜笑颜开，手里的画笔像小朋友一样在纸上翩翩起舞！

我的这位艺术家表姐也是我的偶像。有时候我觉得她是不是对我可以要求低一点？但我知道这正是她一丝不苟的态度使然，也是我需要学习的地方，我会努力的。

♥️ 艺术家的故事

分别老是很悲伤，但回忆又能感到很暖和，你好，我的大艺术家——杜依桐。良久没有写到你了，你固然不是真正意义上的艺术家，但你在人生路上一直默默陪伴着我，鼓励着我，给这漫漫长途添上了瑰丽颜色。所以你是我的大艺术家。

小学六年有三年你都陪伴着我，陪我绘出这绚丽的色彩。

有的时候，颜料也会沾染上一些玄色，那是乌云笼罩心头的时候。记得有一次被某个同学砸伤了眼睛，那时上课铃刚刚响起，这节课是你最喜欢的科学课，但你义无反顾的陪我去了医务室。当时，我发现眼睛里有三个红点，只担心不会失明吧？于是哭得更伤心了。你父母从医，你也知道医学方面的一些知识，就安慰我说：“不要再哭了，也不要再揉眼睛了，要不红点消失不了啦！”你用一付大人的口气求全我，语气中却带着一份安慰。得知我没事儿，你仍旧是不放心地一步三回头，走出医务室，去了科学教室。

于是颜料里那一点点玄色消失了，更多的是热情的红色，那是我们一起打球、一起跑步的身影；有清纯的绿色，那是我们一起读书、一起学习的时光；还有活力满满的橙色，那是我们身处集体流动的积极介入和共同呐喊……但跟着时光流逝，毕业的那一天终究来临，你我也很难再相见。

时间在画布上勾画出一个逗号，不管现实如何，友情就像逗号一样不会断。

下次再见，愿你我青春的画板上都有更美的艺术作品！

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蔡宝军从小受父亲著名皮影戏领班蔡世超的影响，钟情于皮影艺术的研究与创作，他经常观察研究父亲表演用的皮影，对其设计特点和雕刻工艺进行深入细致的分析研究，结合表演实践和人们审美情趣的变化，对传统皮影进行了朋胆的.改造和发展，使其更易表现戏剧人物的性格和特征，同时适应现代观众的欣赏喜好。由于他设计雕刻皮影能与时俱进，既保持传统皮影的艺术特色，又有创新和发展，所以深受广大观众和皮影表演艺人的称赞和喜爱，许多皮影演出班社请他雕刻制作皮影。多年来雕刻皮影数千件，尤其是“四大美人”皮影作品广为观众所称颂，国内外市场畅销不衰。蔡宝军设计和雕刻皮影作品，追求艺术真实和时尚，把对生活中真善的感悟融注到皮影这种古老的民间艺术中去，他雕刻的皮影，古朴中厚蕴俏丽，粗犷中饱涵柔美。同样的古代美女形象，经他的刻刀雕琢，便显出独特的气韵，俊俏中可见雍荣大度，纤美中显露幽雅风采。他雕刻的影人，整体形象把握得极好，艺术夸张更突现出人物性格的特征，但不温不火，给人以无穷的艺术享受。他雕刻的影人，站起来前不过挺，后不肯锅。武士威武强悍，精神饱满；小旦亭亭玉立，婀娜多姿；小生风流倜傥，少年英俊；老生慷慨豁达，饱经沧桑。作品刀工洗练，线条流畅，设计繁简得当，用色富丽华贵，件件都是精美的艺术珍品。其作品2001年荣获宝鸡县“世纪之春”民间艺术作品展一等奖，2003年荣获宝鸡市民间工艺美术展演活动三等奖，2004年获宝鸡市民间工艺美术创作金奖，2006年获宝鸡市陈仓区庆三八“信合杯”民间工艺美术作品特别奖。

蔡宝军的作品在国内外艺术市场上十分畅销。许多艺术博物馆和知名人士以收藏蔡宝军皮影作品为幸事。

在陕西关中西府陈仓地区，蔡世超领衔的皮影戏班也是非常著名的。他多才多艺，能拉会唱，尤其秦腔板胡拉得精妙绝伦，被同行一致称道。他所领导的皮影戏班社名播三秦，誉满西北，是西北民间艺术中的一枝艳丽奇葩。

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迪斯尼小时候被认为是一个爱乱画的孩子。有一天，老师让大家画一盆花，结果小迪斯尼把一盆花都画成了人脸，叶子都画成了人手。老师看了很生气，对小迪斯尼说;“以后不许再乱画!”小迪斯尼感到很委屈，就和老师争辩了几句。老师很气愤，当着同学的面，把他痛打了一顿。

可是，老师的这顿痛打并没有改变小迪斯尼想成为漫画家的梦想。

第一次世界大战期间，小迪斯尼成了一名志愿兵。他利用闲暇时间创作了一些漫画，并寄给一些幽默杂志，但都以作品无新意为由退了回来。

屡遭失败的迪斯尼并没有灰心。不久，他和哥哥利用一家废仓库正式成立了迪斯尼兄弟公司，后改名为“沃尔特.迪斯尼”。

尽管迪斯尼在创业路上饱尝艰辛，但他创造的唐老鸭和米老鼠直到今天仍受到全世界小朋友的喜爱。这个被认为没有绘画天赋的孩子，以百折不挠的毅力成了好莱坞最优秀的创业者和全世界最成功的漫画大师。

张海迪说过：“即使跌倒一百次，也要一百零一次地爬起来!”失败并不可怕，可怕的是我们不能正确面对失败。

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第一次见到杨老师，已经是五年前了，他开车跟着导航转了好大一个圈，才到了名佳花园陶老师家。言谈间杨老师声音很轻，温文尔雅。印象最深的是他谈刚创办网站的事，因我提起《文艺研究》，他说希望他的网站能像互联网中的《文艺研究》一样，带着单纯的学术性，少些炒作和宣传，多些实在而有深度的研究和评论。提及这些，他总是音调温和，却带着淡淡的坚定。过了这么多年，我再次打开那个网站，果然像他所说得那样，没有炒作和虚张声势，有的是更多元化的文艺信息、对当下艺术的切实关注和不乏深度的理论与评论文字。而对他画的印象，脑子存留的似乎只是一个朦胧的情境：一束在窗边的花，静谧矗立，整个景象不温不火，充满诗意。再次翻开他的画册，除了语言更加凝练纯熟之外，画面还是保留着那缕气息，色调和谐，充满诗意和思考。画如其人似乎因太经常使用而变成一个平庸的赞叹，可是用在杨先生的身上仍旧是合适的。他的画就像他的人和声音，不浮华的专业，温和却带着淡淡的坚定。

每一个画家身上，大概都有值得思考和学习的东西。可能是创作巧思或技法方面的，也可能是创作心态和艺术境界上的，可是看杨佴旻的画，得到更多的则是启示性的，这种启示一方面是对传统水墨画既定图式的反思，另一方面是对水墨现代性何去何从的重新发问。我想，通过杨佴旻的艺术进行一种学理上的反省，大概是对他执着的艺术追求最好的反馈吧。

很长时间以来，当我们谈到中国水墨的时候，许多人的脑子里浮现的是那非黑即白，简淡萧疏的图式印象。尽管近现代不断有各种努力试图去解决中国水墨如何迈向现代的问题，但都或多或少因为打破了这种图式印象而受到议论，或者说，这众多努力的结果，只被认为是各种“尝试”，而从未成形成一种带有精神认同的公共图式，以确认一个时代统一的水墨精神和图像。这背后的原因大概是，长久以来，文人水墨那种图式给予我们太深刻的印象，它已经成为一种自然而然的“真理”，在潜意识里被用来评判各种水墨创新的合理性。有一个总体的精神指导本不是坏事，问题在于，当我们努力追求水墨合理性的时候，却很少反思“理”自身的合理性，这种长久以来被我们用来评判水墨绘画，已经成为潜在不用言说的“真理”性的标准，是不是也有狭隘性和在当代继续使用的局限性呢？

事实上，中国水墨所追求的萧疏简淡，黑白世界背后其实有很深刻的时代思想和文化原因。从唐代最初形成开始，中国水墨是作为山水画的一种新表现方式和当时的青绿山水有意拉开距离的，这种水墨山水的性格是以庄学精神做背景，一是落实在玄素观上，二是要在山水中实现一种隐逸的愿望，是与隐士密切相关的。因此，从水墨画诞生之日起就是一种时代选择的结果，烙上了深深的'文化印记。此后水墨作为中国画的一支，因与文人的结合和推崇逐渐成为了正宗，到了董其昌时这种地位被推至顶峰。在这一成为权威的过程中，它实际上已经隔断了与原来山水题材以及表达隐逸愿望的关系，延伸进了其它绘画题材和群体中，被逐渐抽象成了一种固定的图式，在掌握文化话语权的文人推动下，压过了其它一切绘画表达方式。正因为这种人为的权威性，它给人造成了一种错觉：这种追寻简淡的黑白世界，才是中国绘画的正统图式。而这种图式最初形成时背后特殊的时代原因，流变中所可能造成的文化偏颇，那些被忽略了的众多美好因素，比如在中国文化中事实上占有很重要地位的色彩和色彩背后所代表的文化观念，再比如儒家美学中所追寻的另一种充实之美，屈原文化中的缠绵悱恻，都在这种权威的光环中消退了。于是，就有了我们上面说的那个现象，只有那些合水墨之“理”，以及符合我们脑中既定的水墨图式印象，才被认为是正统的，只有在这种理法范围内的创新，才是正确的。仔细想想，对近代以来关于水墨画诸多创新的评判不正是如此吗？

即便这种图式确乎代表着中国水墨的主体印象，但它在时代流变过程中也仍旧经历着不断地调整和转化而实现内部更新的。只不过，在面对现时代，面对中国整体社会和文化的重大结构性变化之时，关于更新的问题，愈加突出和明显。每一个时代都有自己核心问题和适合表达这些核心问题的既定方式，绘画语言亦然。当时代变迁，核心话题会随着时代精神和时代发展而改变，表述方式自然也需要跟着变化。现代性的出现，使得我们所要面临的问题异常复杂，人们内心的矛盾和复杂多变，世界景象的光怪陆离，绝不再是原有的以庄学为背景，带有隐士性格的玄素水墨观还能够完全正确表达的了。如果不更新这些标准和图式，就可能限制我们看待多元世界的视域，限制了我们由心而发的自由意志，也限制了创造适应时代的艺术表达方式。值得再提的是，一个统一的理的存在，其实是有必要的，如果失去大的理法标准，就会出现无边的艺术乱象，如今冠以新水墨之名的诸多创造，大部分都属于这种乱象之内的事实。这“理”应该是一种能够体现时代精神的艺术理法结构，一种新时代中的新范式。因为只有在这种结构中，时代的艺术家才有一个标杆性的方向，用自己各自不同的努力，朝着大方向迈进。所以我们能否更整体地思考问题，不局限于讨论当代水墨应该吸收怎样的因素，做出怎样的调整或融合，而在于讨论如何通过大家的共同努力实现中国水墨整体范式的时代转化。

看杨佴旻的画，有一种长舒一口气的感觉，这种轻松感或许就在于他的作品摆脱了以往水墨观念和水墨图式的枷锁。他用温润的色彩，重新唤起了我们对中国绘画中色彩的记忆和情感，他用新的绘画图式，冲破了长久以来的水墨既定范式，让我们看到，在超越中西，古今融合延续等等这种二元对立观念之上，还有一种可以在心里共融，内化然后直接做出表达的，更具普世性东西。他在创作时似乎很少去感觉哪些部分是属于中，哪些是属于西，现代是否和传统有衔接，而是将自己的审美和时代感受用融汇于自己内在的，经过不断锤炼的技法语言，做了一个自然的表述而已。在这种自然表述中所谓中国水墨中的色彩、构图、意境等等问题已然成为似乎存在，但早已隐于背后，不成为问题的问题。他用这种自然的方式消解了问题，也在画面中卸下了传统沉重的枷锁。

更重要的是，从他的努力中，我们看到了时代水墨统一之“理”形成的可能性。在新水墨画的名称之下，他并没有利用笔墨这种材料符号来虚张声势或哗众取宠，而是一方面面对时代，立足于自我的时代感受，让所有曾经的经历和感受融化于内心，并真实地面对它们。另一方面执着致力于探索一种适合的语言表达方式以与这种感受取得和谐与平衡。假如中国如今的水墨艺术家们都能这样放下“传统”——事实上传统是永远不会真正被放下的，因为它并不应该是一种模式，而是融化在我们血液中的情感和精神；假如当代的中国艺术家能超越所谓民族，历史的界限，站在一个寻找普世价值的点上，直面时代和身边的问题和感受，沉下心来，实践和摸索适合自我表达的语言，一种符合中国新时期的水墨新精神，就会在面貌多元的艺术探索中逐渐呈现出来，一个有深度有厚度的“理”也会重新出现在中国水墨乃至中国艺术中，并日趋稳定，成熟。

合上杨老师的画册，不禁欣然。他的艺术的确重新触动了我长久以来跟传统中国水墨一起麻木的内心。尽管，关于中国水墨如何走向现代的问题，是过去，现在，甚至在未来很长一段时间都会一直延续而没有结论的话题，但对于新生代，新新生代的艺术家和理论人来说，反思总该存在，理想总该存在，有着美好的愿望，努力就永远不会停止。期待中国新水墨艺术家，都能凝神静气，蕴籍前行——淡淡，而坚定。

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